음악의 진화는 기술적, 사회적 발전과 늘 직접적으로 관련되어 왔습니다. 음악은 우리가 듣는 방법과 이유에 맞춰 만들어지며, 역사를 통틀어 최첨단 기술의 혜택을 받아왔습니다.
KEF는 60년 이상의 역사를 자랑하며, 이 기간 동안 기술이 여러 가지 방식으로 발전해 왔습니다. 약 37,000년 전으로 추정되는 음악의 기원부터 우리는 음악과 기술이 기하급수적으로 발전하는 시기를 경험해 왔습니다. 음악과 기술의 관계를 더 자세히 알아보겠습니다.
기본적으로 음악은 의사소통의 수단으로 사용됩니다. 오늘날 음악은 쉽게 접근할 수 있고, 순전히 오락을 위한 것처럼 보일 수 있지만, 항상 그렇지는 않았습니다. 예를 들어 150년 전에는 녹음된 음악이 존재하지 않았습니다. 사람들이 경험한 모든 음악적 경험은 즉각적이고 직접적이었습니다. 한 번 연주된 음악은 사라지고 기억 속에서만 다시 찾을 수 있었거나, 악보를 통해 재창조될 수 있었습니다.
악기의 최초는 우리 자신, 우리의 몸이었습니다. 오케스트라 악기들이 등장하기 전에는 손뼉과 목소리로 감정과 이야기를 전달했습니다. 스토리텔링이 발전함에 따라 음악의 창작 방식도 변화했습니다. 고대 문명부터 전해져 내려온 주요 악기는 플루트와 드럼이었는데, 종종 동물 가죽과 나무로 만들어졌습니다.
음악은 인류가 역사를 기록하는 데 쓴 최초의 도구 중 하나였습니다. 지금까지 음악은 다양한 이유로 사용되지만, 대부분은 우리의 개인적인 표현과 관련이 있습니다. 그렇다고 항상 그랬던 것은 아니었습니다. 역사적으로 대부분의 경우 음악은 공유되는 측면이 강했습니다. 녹음과 재생 기술이 보급되면서 음악은 더욱 개인화되고 친숙해졌습니다. 콘서트와 페스티벌은 여전히 음악의 공동체 측면을 제공하지만 일상적인 경험은 아니었습니다. 약 70년 전, 우리가 소비한 음악의 대부분은 라이브 공연에서 비롯되었지만, 이제 기술의 발전으로 우리는 연주자와의 연결이 없어도 음악을 개인적으로 즐길 수 있게 되었습니다. 그래서 음악은 더욱 개인적인 경험으로 변모하게 되었습니다.
20세기에는 나이트클럽, 바, 펍이 특정 음악 장르, 특히 재즈, 록앤롤, 컨트리, 블루스의 발전에 중요한 역할을 했습니다. 1970년대에는 힙합이 장르로서 인기를 얻으면서 더 많은 창의성을 촉발했습니다. 음악 프로그램의 리소스가 제한되어 있을 수는 있지만, 표현의 필요성은 항상 존재했고, 이는 이미 장벽을 허물고 있는 장르 내에서 더 많은 혁신을 가져왔습니다. 거의 50년이 지난 지금도 힙합은 세계 곳곳의 팬들에게 가장 오랫동안 사랑받는 음악 스타일 중 하나로 남아 있습니다.
우리가 음악을 소비하는 방식의 또 다른 큰 변화는 더 작은 홈 시스템에서 듣는다는 것입니다. 이것이 팝 음악이 등장하는 곳입니다. 종종 산만하게 복잡한 코드 구조보다는 리듬과 후크를 제공하는 노래가 필요합니다. 예를 들어, 심부름을 하거나 재택근무를 할 때 우리는 너무 대담하거나 압도되는 음악보다는 묵직한 베이스와 귀에 쏙 들어오는 가사가 있는 음악을 원하며, 그 음악을 배경음악으로 즐겁게 흥얼거릴 수 있습니다.
80년대와 90년대에는 음악이 영상매체에 부수적으로 소비되는 경우가 많았습니다. 특히 80년대는 디지털 기술이 엄청난 발전을 이룬 시기였습니다. 스네어 드럼은 더 크게 발전하고, 멜로디는 더 강렬해지며, 프로덕션은 더 과감하고 복잡해졌습니다. 녹음 기술은 밝고 생동감 있게 발전하여 TV나 자동차 라디오에서 노래가 더욱 잘 들리도록 했습니다. 우리는 하키 경기장이나 축구 경기장에서 음악을 공유하는 공동 경험을 즐겼습니다. 무대에서 4분의 1마일 떨어진 곳에 있는 관객들에게까지 전달하기 위해서는 모든 것이 실제보다 크게 보여야 했습니다.
70년대는 아마도 녹음된 음악을 함께 듣는 마지막 10년이었을 것입니다. 홈 스테레오는 이전에는 볼 수 없었던 수준에 도달했으며 오늘날 사용할 수 있는 비디오 게임과 기타 다양한 엔터테인먼트 옵션이 없었기 때문에 음악은 사람들을 하나로 묶어주는 요소였습니다. 라이브 음악은 일반적으로 극장과 홀에서 소비되었으므로 음악은 더욱 복잡하고 영묘하게 들렸습니다. 펑크는 작은 펍이나 나이트클럽에서 들을 수 있도록 만들어졌기 때문에 단순하고 시끄러운 반면, 디스코는 오늘날의 EDM과 마찬가지로 좀 더 느껴지도록 만들어졌습니다. 재즈는 커피숍과 나이트클럽에서 소규모의 안목 있는 청중을 대상으로 연주되었으며, 어쿠스틱 악기를 갖춘 단순한 4중주가 청중이 기대하는 친밀한 경험을 제공했습니다.
60년대에는 포크와 R&B가 가장 인기 있는 음악 장르였습니다. 트랜지스터의 등장으로 라디오를 처음으로 휴대할 수 있게 되었고, 그러나 그 음질이 제한적이었기 때문에, 후크가 모든 노래에서 가장 중요한 부분이 되었습니다. 멜로디가 소음과 저음질 재생을 차단할 수 있다면, 중독성 있는 멜로디가 될 수 있었습니다. 그렇지 않으면 노래가 많이 노출될 가능성은 거의 없었습니다. 하지만 70년대가 다가오면서 멀티 트랙 녹음 스튜디오는 아티스트가 전체 앨범을 테이프에 녹음하여 사람들이 집에서 들을 수 있게 되었습니다.
30년대와 40년대에는 콘서트와 댄스홀이 매우 인기가 있었습니다. 음악가들이 군중에게 들리려면 더 큰 소리로 연주해야 했기 때문입니다. 오늘날 우리가 가지고 있는 증폭 기술이 없었다면, 그 문제를 해결하는 방법은 바로 사운드의 크기였습니다. 호른 섹션은 멜로디를 전달하는 반면, "리듬 섹션"은 비트를 구동하기 위해 진화했습니다.
20세기 초 블루스와 컨트리 음악은 일반적으로 현관이나 교회 모임에서 즉시 청중을 위해 작곡되었으며, 현악기의 소리는 의도한 청중에게 노래를 전달할 만큼 충분했습니다. 주제는 항상 음악의 주요 기능이었던 스토리텔링과 역사 기록의 확장이었습니다. 미시시피의 한 소작인은 자신만의 이야기를 가지고 있었지만 시카고의 청취자들도 공감할 수 있는 이야기와 똑같았습니다. 이것은 우리가 음악과 음악가들과 연결되는 연결고리였고, 항상 그래왔습니다.
르네상스부터 18세기까지 음악은 소규모 청중을 위한 간단한 스토리텔링에서 예술과 예술가를 위한 예술 형식으로 성장하기 시작했습니다. 작은 현악기 합주(일반적으로 4중주)로 구성된 실내악과 바로크 음악은 사유지와 궁전의 방과 홀에서 소규모 청중을 위해 작곡되었습니다. 19세기 산업시대에 접어들면서 사람들은 자유시간과 가처분 소득을 얻게 되었습니다. 음악은 사회 및 교향곡과 함께 발전했으며 대규모 오케스트라가 대규모 홀에서 더 많은 청중을 위해 연주했습니다. 기술의 발전은 대규모 공연의 시대를 열었습니다.
이 기간 동안, 특히 서양에서는 파이프 오르간과 같은 새로운 발명품으로 거대한 대성당이 건설되면서 교회 음악이 퍼졌습니다. 유럽의 거대한 교회와 대성당은 음악 기술의 결과라기보다는 음악 기술의 표현으로 건설되었다는 주장도 가능합니다. 대성당의 잔향 시간을 활용하여 음악은 대중을 위한 경험이 되었습니다. 멜로디는 단순하고 반복적이어서 명상 경험을 향상시켰습니다. 무아진이 모스크의 첨탑에서 낭송하는 이슬람 아단(adhan)에서도 비슷한 효과가 나타납니다. 이 음악은 청취자의 영혼에 직접 전달됩니다.
우리의 역사를 통틀어 우리에게는 변함없는 동반자가 바로 음악이었습니다. 때로는 기술을 사용하여 우리를 이끌기도 하고 때로는 새로운 기술을 활용하여 우리의 경험을 더욱 향상시키는 음악은 보편적이면서도 매우 개인적인 것입니다.
음악은 행복, 슬픔, 상실, 후회, 미래에 대한 희망, 그리고 우리 자신과 관련된 간단한 이야기 등 음악이 전달하는 메시지 때문에 우리의 영혼과 문화에 각인됩니다. 모든 장르의 음악을 살펴보고 그것이 의도한 청중과 매체에 맞게 어떻게 작성, 제작, 연주되었는지 살펴보는 것은 흥미롭습니다. 기술과 발전이 음악과 우리의 관계를 어떻게 지속적으로 변화시켜 왔는지 살펴보는 것도 흥미롭습니다.
음악은 시대를 반영하며, 시대는 음악이 무엇을 할 수 있는지를 반영합니다. 진정한 공생 관계가 존재한다면 그것은 바로 음악과 시대입니다.
